Il celebre artista torna a cimentarsi con la scrittura e lo fa con un nuovo saggio, a tre anni dal precedente Umberto Boccioni. Arte-Vita, finalista al prestigioso Premio Acqui Storia del 2018. L’ho intervistato per voi.

Maurizio Sangineto

Artista, Comunicatore, Naming Specialist.
Ideatore di VICENZA.COM

www.thenamespecialist.com/maurizio-sangineto/

Poche settimane fa hai presentato il tuo nuovo libro Astrazione come Resistenza in sala Palladio a Vicenza. Dopo Mondadori, pubblichi con De Piante, un nuovo editore che sembra avere idee chiare e alta progettualità. La collana I Talenti, inaugurata dal tuo nuovo saggio, così si presenta: Il coraggio di sorprendere.

Credo che un editore di prestigio come Mondadori, per molti versi rilevante anche come penetrazione commerciale, possa essere una conferma all’attendibilità propria ricerca, ma presenta dei limiti nel rispondere con rapidità alle sollecitazioni dall’esterno. De Piante ha tutta l’energia della novità, muovendosi con estrema agilità e offrendo, ad oggi, quattro collane tematiche che coprono esigenze differenti, ma tutte all’insegna dell’estrema qualità di contenuto. Sempre con la prossima iniziativa già nel cassetto.  De Piante sta lanciando inoltre il progetto di Brand Activism Culturale, attivismo che rende la cultura operativa sul territorio, per contrastare l’appiattimento e l’omologazione del pensiero unico; intendendo la cultura in un modo più attivo che mi somiglia molto. La nuova collana che inauguro proporrà in seguito autori molto interessanti, caratterizzati dal desiderio di uscire dal convenzionale, con l’intento di costruire un modo diverso di avvicinarsi alla contemporaneità, evitando di adagiarsi nell’ovvietà del politicamente corretto.

Come hai vissuto la preparazione di Astrazione come Resistenza?

Il saggio dedicato a Boccioni già sapevo che mi sarebbe servito per calarmi poi nella materia più vicina alla mia ricerca pittorica, consapevole anche di quello che questo avrebbe comportato a livello teorico. Non dico che quest’ultimo saggio fosse già previsto, ma sicuramente realizzo oggi un progetto che tengo in serbo da molti anni e di cui il precedente è stato una felice anticipazione, con argomenti comuni ad entrambi.

Il saggio, con un corpus che sfiora le 400 pagine, contiene analisi storiche ma è anche di grande attualità: passi con facilità dalla complessità dei Movimenti del Novecento alla spiritualità, dalla filosofia al sociale; dal mercato dorato degli stilisti, alla riscoperta di artiste determinanti oscurate dalla storia, citando aneddoti insoliti e divertenti. Quando scrivi che l’opera d’arte può veicolare anche un messaggio di natura spirituale, lanci un messaggio importante

Lo sviluppo del testo è chiaro fin dall’indice, dove ogni singolo argomento è ben definito, pur essendo collegato agli altri: connessioni che si scoprono con la lettura. Effettivamente c’è un capitolo, il più esteso del saggio, dedicato proprio alla spiritualità, presente in pressoché tutti i grandi astrattisti, declinata nella Teosofia, nell’Antroposofia, nella Teologia cristiana e anche nella Cabala ebraica. Questo perché credo sia nella natura dell’uomo cercare un nome anche agli argomenti o alle sensazioni che superano la realtà quotidiana e l’Astrazione, in questo, ricopre un ruolo di assoluto rilievo.

Cosa intendi per ruolo sociale dell’artista? È un punto chiave…

L’artista penso debba intendere l’opera come un atto di responsabilità, un crinale che divide il tempo del prima da quello del poi, una testimonianza che l’artista lascia di sé allo scorrere del tempo.

Nell’opera l’artista non mente, mettendosi semplicemente al servizio del mercato come un artigiano, non asseconda la sirena che la cronaca comunica ogni giorno, ossessivamente, con il politicamente corretto. L’artista è il Ribelle di Jünger, l’Indocile di Baudrillard, l’Intempestivo di Nietzsche, l’Uomo differenziato di Evola, l’arte ha sempre guardato al non convenzionale, spesso precorrendo i tempi, risultando il più delle volte scomoda, corrosiva: oggi, in tempi di materialismo sfrenato, dov’è il prezzo a contare e non il valore di quel che si offre, si assiste ad un’improbabile, artificiale  Avanguardia di consenso pilotata dai media e l’artista non può che promuovere una resistenza, auspicando maggiore attenzione all’aspetto interiore, alla qualità, all’autenticità, all’onestà intellettuale. L’Astrazione ha in sé gli anticorpi naturali per resistere, declinati sul versante della spiritualità.

Per l’uscita del libro sono già apparse importanti interviste: in una di queste, su Artribune, Stefano Piantini ti definisce “colto saggista… artista che studia” e posiziona il tuo saggio nel nobile solco degli scritti sull’arte elaborati dagli artisti stessi, per citare i grandissimi Boccioni e Malevič, Kandinskij, fino a Josef Albers, Dorfles, Peter Halley, Anselm Kiefer. Davide Brullo, su Pangea.it, ti cita come uno degli astrattisti di riferimento, il filosofo Luca Siniscalco ti attribuisce un’importante rilevanza teorica: ti aspettavi tale, significativa considerazione?

Fa naturalmente piacere veder riconosciuta la propria professionalità: è anche per questo motivo che poi l’opera dev’essere considerata come autentico atto di responsabilità per l’artista, evocando anche quella resistenza citata espressamente nel titolo del saggio, qualora la situazione generale stia prendendo un andamento del tutto privo di questo presupposto. Anche i grandi artisti di cui parli hanno scritto in periodi di grande difficoltà sociali ed economiche.

Vengono riscoperte anche tre artiste, oscurate dalla storia, rivelatesi seminali nello svolgersi del Novecento.

Metto in luce tre personalità, non certo per il vezzo di valorizzare autori sconosciuti, ma per la loro effettiva, rilevante importanza. Hilma af Klint, proto-astrattista d’inizi Novecento, intuisce prima ciò che Kandinskij, Klee e molti altri, raggiungeranno solo alcuni anni dopo. Hilla Rebay inventerà letteralmente la collezione Guggenheim e, di conseguenza, il mercato americano dell’arte, sarà l’artefice del primo museo d’arte contemporanea, ubicato in una ex-concessionaria d’auto a New York e, assecondata da una straordinaria visionarietà, aprirà il sodalizio con il grande architetto Frank Lloyd Wright, per la realizzazione del Guggenheim Museum che ammiriamo ancor oggi. Marianne von Werefkin, da pittrice e teosofa, con il suo salotto a Monaco negli anni ’10, contribuirà a forgiare la nuova generazione di fenomeni di quegli anni. Il tutto nel più assordante silenzio della storia.

Perché cimentarsi, tra gli altri argomenti trattati nel testo, nel racconto della storia dell’Astrazione?

È la mia storia. Jean Baudrillard, uno dei maggiori filosofi e pensatori del Novecento, già esegeta dell’opera di Andy Warhol e non certo un paladino dell’Astrazione, definisce l’Astrattismo come l’unica forma espressiva attendibile del contemporaneo, perché depositaria di una Storia eroica. Un’affermazione molto netta, che assume un significato particolare per chi la eserciti in Italia. Il nostro Paese può rivendicare infatti la rilevante primogenitura della stessa Astrazione con Giacomo Balla, fino ad oggi assegnata impropriamente a Vasilij Kandinskij. Questo non è aspetto marginale o che interessi solo gli addetti ai lavori: dalla data fondativa delle Compenetrazioni iridescenti di Balla del 1912, inizia infatti quella Via italiana all’Astrattismo che attraversa cent’anni, fino ad oggi, con decine di protagonisti di assoluto rilievo. Negli anni, fino ad oggi, in Italia, ogni tendenza in ambito astratto ha avuto necessità di laboriose contestualizzazioni, di complicate interpretazioni, che risultano quindi inutilmente faticose, visto che la scaturigine, in realtà risulta chiarissima.

Mi sembri molto coinvolto da questa contestualizzazione.

Certo, analizzarla nei dettagli ha sicuramente aggiunto chiarezza anche al mio lavoro, che da quella “famiglia” proviene: è stato un rimettere in ordine l’argenteria nella vetrina, dopo quarant’anni di attività.

Ma già nella tua personale alla Biennale di Venezia nel 2009 avevi rivendicato la tua appartenenza tematica astratta con decisione.

La mia ricerca pittorica è sempre stata accompagnata da dichiarazioni d’intenti: l’Astrattismo, di suo, ha sempre goduto, fin dagl’inizi, di un bacino estremamente affezionato, anche se forse più raccolto, più riflessivo. Ma anche per questa attitudine consapevole penso di essere rientrato nelle selezioni delle principali rassegne dedicate a quest’ambito, in questi decenni. Inoltre, in uno scenario internazionale come la Biennale, mi sembrava opportuno ribadire il significato della parola Astrazione, quando, da più parti, si sosteneva che non avesse più rilevanza. Quando tutto diventa confuso anche il messaggio più profondo diventa illeggibile.

In diverse parti del saggio, analizzi le motivazioni che portano l’artista a creare l’opera. L’ispirazione esiste?

Oggi penso sia un termine che appartiene più ad un retaggio romantico, che si fa fatica a citare. A dire il vero, ritengo che l’artista venga condotto alla finalizzazione del proprio pensiero nell’opera per ragioni che ignora, seguendo, ad ultima istanza, un’urgenza espressiva, una sorta d’inevitabilità. Per questa ragione anch’io penso che l’ispirazione non esista nei termini in cui viene proposta usualmente. Molti grandi artisti ne hanno negato l’esistenza, Francis Bacon, ad esempio, sostenendo che la motivazione non è il lampo improvviso e incontrollabile, ma lavora, a volte in modo sotterraneo, a volte esplosivo, 24 ore al giorno, in qualunque momento o situazione, spesso inconsciamente.

Paradossalmente, l’artista appartiene all’arte che esprime, come Boccioni aveva già dolorosamente chiarito, definendola, nei suoi Taccuini, come la Gran Madre.

Per questo motivo considero l’arte come autentica espressione salvifica, anche se spesso comprende conseguenze quali l’isolamento, la distanza, la difficoltà a renderla modalità di sostentamento, soprattutto in questo momento storico, votato all’effimero e al materiale. Considerazione che non riguarda solo me: nel saggio dimostro essere condivisa da larghissime, qualificate fasce del pensiero contemporaneo.

Anche se, ad ultima istanza, è anche l’alto prezzo da pagare che avvalora lo spessore esistenziale della ricerca.

Un’ultima annotazione sull’argomento di stretta attualità che riguarda la Crypto Art e i Bitcoin.

L’analisi è strettamente collegata ad un sistema, quello dell’arte, che nella sua parte più sfavillante e milionaria, che definisco Post-Arte, è strettamente collusa con la finanza, da cui ha mutuato le modalità operative, legate più ad una comunicazione planetaria asfissiante e ai meccanismi sofisticati delle Case d’Asta, che non all’effettiva qualità e portata storica delle opere che propone. Opere che, il più delle volte, con l’arte c’entrano solo in parte, appartenendo all’ambito della comunicazione globale, nell’ottica di quella spettacolarizzazione della società evocata dal filosofo Guy Debord, già nel 1967. Quindi è del tutto prevedibile che la finanza stessa prenda il sopravvento, creando un mercato parallelo e difficilmente controllabile dal basso: più operazione finanziaria finalizzata che sostegno reale dell’arte. Le cripto valute, la certificazione blockchain, di fatto un marchio da poter applicare ovunque, anche ad immagini del web a disposizione di miliardi di persone, stanno alla base di questo nuovo scenario.

Ma tutto questo non rappresenta una deriva che privilegia ulteriormente il prezzo sul valore? L’arte che conosciamo, frutto della sensibilità, dell’unicità, dell’originalità dell’artista, riuscirà a sopravvivere?

La cosiddetta “morte dell’arte” è già stata diagnosticata molte volte, in modi differenti, dalla discontinuità propugnata dalle Avanguardie Storiche, alla presentazione della celeberrima e dissacratoria Fontana di Marcel Duchamp nel lontanissimo 1917 (un orinatoio in ceramica reperibile in qualsiasi negozio, posizionato orizzontalmente, con firma di fantasia), fino al celeberrimo Sessantotto, dove esposero in Biennale un giovane Down, seduto su uno sgabello. Nel 2017 è stato già celebrato il centenario della Fontana, eppure decine di migliaia di artisti di tutto il mondo continuano a ritenere l’arte come espressione salvifica da preservare, tra una provocazione e l’altra. Siamo giunti al paradosso della Fine dell’arte contemporanea nel 2017, citata da Francesco Bonami, già uno dei suoi sostenitori più accaniti.

Vale ricordare ai più distratti che la prima operazione concettuale della storia rimane comunque un’opera pittorica astratta del 1915: il Quadrato nero del suprematista russo Kazimir Malevič, ad ulteriore dimostrazione della polivalenza e dell’assoluta rilevanza della ricerca astratta.  

La Crypto Art rimane finanza mascherata, dove l’opera non è che il pretesto per nobilitare una mera, ingentissima circolazione di denaro, troppo spesso di derivazione sospetta.

Basta chiamare le cose con il loro vero nome, altrimenti ci si perde nell’indistinto, dove vale ogni cosa e il suo contrario.

A questo punto ti pongo un’altra domanda chiave. Qual è in definitiva, secondo te, il ruolo dell’Astrazione nel contemporaneo?

L’Astrazione gode dell’unicità della sua Storia eroica, procedendo alimentata da una velocità interna, appartata, votata intimamente allo spirituale, apparentemente silenziosa, ma inesorabile e magnifica, connaturata con l’interiorità stessa dell’uomo.

Grazie Roberto e complimenti non solo per questo saggio, ma per il tuo percorso di grande rilievo nell’Arte.

Una vicentina con un passato da orafa in una famiglia di orafi, che ha saputo trovare la forza e gli stimoli per fare il grande salto nel mondo dell’arte, dove si è ritagliata un suo spazio originale e apprezzato. Tutto declinato al femminile. Vi racconto la sua storia.

Maurizio Sangineto

Artista, Comunicatore, Naming Specialist.
Ideatore di VICENZA.COM

www.thenamespecialist.com/maurizio-sangineto/

Ciao Elisabetta, come sai sono attento alle eccellenze di questa città e secondo me tu ne hai pieno titolo. Raccontaci la tua esperienza e il tuo percorso. Come hai iniziato e come sei arrivata a creare questo innovativo format artistico, l’Arte da indossare.

Sono nata a Vicenza, in una famiglia di orafi. Un binomio comune a tantissimi vicentini, perché questo settore ha rappresentato per molti anni il vero traino di un’intera economia. Non potevo quindi che fare lo stesso percorso della mia famiglia divenendo orafa anch’io a tutti gli effetti.

Però non era una cosa che sentissi veramente mia, a parte la fase della creazione dei gioielli in sè. Mi pesavano tutti quegli aspetti macchinosi, nel vero senso della parola, che assorbivano la quasi totalità del tempo e delle energie e che determinavano una produzione industriale di pezzi tutti uguali.

Ad un certo punto, visto che il lavoro non mi gratificava dal punto di vista creativo, ho iniziato a dipingere. O meglio, a riprendere l’attitudine che da bambina mi aveva portato a disegnare. Essendo immersa nel processo lavorativo, non ho potuto seguire gli studi artistici convenzionali, ma ho preso lezioni private da alcuni maestri vicentini e mi sono fatta la classica gavetta. Uno di questi era Vincenzo Orsoleo, purtroppo scomparso, che mi ha insegnato la cosa principale e più difficile nella pittura, ovvero come affrontare una tela bianca.

Poi ho proseguito i miei studi con un artista contemporaneo dell’iperrealismo, Luigi Pellanda, con cui ho imparato fondamentalmente tecnica. Mi è servita, ma poi ho capito che non era nelle mie corde… io sono molto istintiva, che va a getto, esplosiva. Ho così dato vita ad un percorso artistico che ho definito “eccentrismo cromatico”, ovvero questi volti molto colorati, soprattutto femminili.

Bello questo concetto di “eccentrismo cromatico” … Ma solo volti femminili? E perché?

Non c’è una motivazione razionale. Una cosa che sento dentro è proprio il volto femminile e sinceramente non voglio nemmeno dare una spiegazione vera e propria perché fa semplicemente parte della mia cifra artistica. Forse perché sono donna io stessa ed esprimo così l’emozionalità del genere femminile. È proprio un “urlo”. Forse una ricerca di me stessa.
E quando ho provato ad esplorare altri territori e soggetti artistici sono poi sempre rientrata in questa mia zona di comfort che è il volto femminile.

Ho anche studiato il perché senza darmi una risposta precisa. Le più autorevoli teorie in ambito artistico affermano che qualsiasi soggetto che l’artista decida di affrontare, sta comunque sempre ritraendo se stesso. Un pittore che ritrae un paesaggio all’aperto, se ha deciso di scegliere quel preciso posto, quell’angolazione, quella luce e quella stagione in sostanza sta ritraendo se stesso.
Forse è così. Forse sono alla continua ricerca di me stessa.
Volti maschili comunque ne dipingo, ma solo su commissione.

In un certo senso io ti vedo come ambasciatrice di un mondo, quello femminile, che ha bisogno di comunicare verso l’esterno in maniera emozionale. E i tuoi dipinti portano in primo piano non solo la bellezza, ma il carattere delle donne.

Forse inconsciamente è così… ma non lo so. Dici che dovrei farmi analizzare? (ride…)

Beh, a Vicenza abbiamo ottimi specialisti… (rido anch’io)
Scherzi a parte, nel campo dell’arte specializzarsi è fondamentale. Diversamente non si viene riconosciuti.
Prendi Botero… i suoi personaggi di taglia XXL sono il suo marchio di fabbrica.

Si, io oggi sono conosciuta per la pittrice dell’eccentrismo cromatico nei volti femminili.

Ma spiegami come sei arrivata a capire che l’arte, questa tua arte, era la tua nuova professione dopo il percorso orafo in famiglia che ha rivestito una certa rilevanza nella tua formazione personale e professionale. Ad un certo punto ti sei detta “ecco questo è il mio lavoro”. Quando e come è successo? Un bel giorno è successo qualcosa e hai detto basta, cambio vita o è stato un percorso graduale?

Assolutamente è successo qualcosa che mi ha indotto a cambiare vita. Circa dieci anni fa ho preso atto che il mondo lavorativo nel quale ero cresciuta stava in qualche modo scricchiolando e quel modello di successo a cui eravamo abituati noi vicentini, soprattutto orafi, aveva iniziato un processo involutivo. Da quindici dipendenti che avevamo in azienda ci siamo ritrovati in tre.
A quel punto ho capito che bisognava guardarsi intorno perché lo scenario lavorativo non era roseo. Fatalità, proprio in quel periodo così difficile, mi è capitato di trovare l’uomo della mia vita.  E così ho fatto due più due e ho cambiato vita, abbracciando i miei due grandi amori. Quello personale e quello artistico.

Bene o male l’esperienza acquisita in tanti anni di attività imprenditoriale mi consentiva di partire con quel minimo di capacità produttiva, anche se in un ambito diverso. Il che mi ha consentito sin da subito di partire con il piede giusto per vivere di arte.

Quindi hai iniziato subito a fare mostre?

Certo. Mi appoggio a delle gallerie, come ad esempio Fondazione Mazzoleni di Bergamo.

Beh, una realtà prestigiosa in Italia…complimenti.

Proprio con questa galleria ho partecipato nel 2020 ad una importante collettiva di artisti contemporanei dedicata ad Andy Warhol. La sua iconica versione di Marylin Monroe mi ha molto influenzata, proprio per il soggetto di volto femminile rielaborato con il colore.

Parteciperò a Settembre 2021 ad un’altro prestigioso evento organizzato da Fondazione Mazzoleni, stavolta nel magico scenario di Venezia, intitolato “Venice StArt”, dove saranno presenti altri artisti selezionati in ambito Pop Art e arte contemporanea.

Beh, qui da me la Pop Art è di casa…

Nel tuo studio è tutto arte.

Grazie.

Io l’arte classica la ammiro e la rispetto, ma non mi emoziona quanto quella contemporanea, specie quella Pop e la Street. Sono anche stata invitata ad esporre a Roma al Museo Crocetti, che mi fa onore.

E poi sono presente regolarmente negli stand di varie gallerie alle fiere d’arte, come quella di Milano dove non è semplice essere ammessi, o ad Arte Padova, che è molto quotata, o ancora in altre all’estero sempre ospite di galleristi che apprezzano i miei lavori.

Ecco questa è la cosa che mi interessa particolarmente raccontare del tuo percorso. Ho visto nei social che hai recentemente dato vita questa diversa modalità di espressione artistica, dove il supporto non è più la classica tela incorniciata, ma una maglietta bianca. Come ci sei arrivata ed in cosa consiste esattamente l’Arte da indossare?

Dire che è una T-shirt è un po’ riduttivo, però il supporto è quello. Ma a differenza di tutte le magliette con immagini anche magari belle, ma stampate e prodotte in serie, le mie sono veri e propri dipinti eseguiti a mano, ciascuno diverso e unico. Quella determinata immagine non la ripeto in nessun’altra maglietta né taglia. Per questo si possono definire Arte da indossare.

In effetti a prima vista, se viste indossate, queste opere potrebbero sembrare semplicemente belle magliette prodotte in serie.

Si, pensa che ad un mio post nei social, dove avevo ricevuto moltissimi likes, un utente, ignaro del progetto, mi ha scritto “Ma cosa c’è di così eclatante in una maglietta fatta in serie?”. Quando gli ho risposto spiegandogli che l’avevo dipinta a mano si è scusato e mi ha fatto anche lui i complimenti.

La differenza con altre magliette, anche dipinte a mano, è che la mia è un’opera certificata, numerata autenticata in originale e che volendo si può anche incorniciare. C’è chi l’ha fatto anziché indossarla. Lascio alla sensibilità individuale scegliere che uso farne.

Io propendo per l’utilizzo, perché è un concetto che apre un nuovo scenario nei linguaggi dell’Arte. Così come Andy Warhol, passami il paragone un po’ azzardato, è riuscito a cambiare la modalità dell’espressione artistica prendendo dalla vita quotidiana un normalissimo barattolo di pelati e mettendolo in cornice, tu stai facendo un’operazione per certi versi analoga. Tu prendi uno degli oggetti più comuni come una maglietta bianca e la fai diventare un’opera d’arte. Sposti la collocazione dell’opera dalla parete al corpo delle persone. E soprattutto, gli dai il movimento!
Che è la vera novità. L’opera non è appesa e quindi statica, ma si muove con il suo acquirente, diventandone parte integrante. Il che non è l’Arte cinetica, dove l’arte è sempre appesa al muro e si muove in maniera virtuale. Qui opera e proprietario dell’opera generano insieme una nuova opera, sommatoria dei due, che gira per le strade in una sorta di “mostra cinetica itinerante”. Davvero interessante. Un’evoluzione della Street Art.

Io la definisco “Arte in movimento”.

Questa tua definizione mi piace molto e corrisponde a quello che avviene realmente.

Questo è quello che succede perché non si può camminare portandosi tutto il giorno un quadro a mano, ma con le tue opere su T-shirt si può… Questo consente di usare il termine “contemporaneo” a pieno titolo perché l’opera diventa parte integrante della vita mentre essa stessa si svolge. Il fatto che si pieghi, si usuri un po’ lavandola, si sgualcisca o rovini casualmente, la rende davvero “contemporanea” e la evolve continuamente.
Allora poi voglio provare!

Certo ti ho portato una delle mie opere su maglietta proprio per questo. (sorride)

A parte usarmi come modello/testimonial d’eccezione (rido) come vuoi promuovere questa iniziativa e dove la vuoi lanciare? Si tratta di un’idea “one shot” o vuoi farne una tua cifra stilistica? Hai trovato casualmente la tua vera strada?

Ancora… non lo so con precisione. So solo che è un progetto che sta avendo molti consensi e che sicuramente porterò avanti.

Se posso darti un consiglio l’unica cosa che devi ancora fare, ed è fondamentale, devi codificarla.

Lo farò certamente. Grazie del consiglio.

Ultima domanda… E a Vicenza cosa vuoi fare? Che programmi hai per la tua città? Non hai mai fatto niente qui?

Apri una nota dolente. Sono vicentina, ma nella mia città ho trovato poca apertura. Mi sa che è proprio vero il detto “nemo propheta in patria”… Però quando ho presentato l’iniziativa delle magliette d’artista, nel giro di venti minuti sono andate esaurite. Segno che chi ama l’arte e la bellezza non guarda la provenienza dell’artista.

Probabilmente è arrivato adesso il momento giusto. Sono certo che questa intervista ti abbia messo nella giusta luce e risalto che meriti. Magari finalmente succederà che anche nella tua città si accorgano del tuo talento.
Complimenti Elisabetta!

Luisa Amatori è il punto di riferimento a Vicenza per chi ama il design, l’arte e la bellezza declinati nelle forme e nei materiali. Il suo atelier nel cuore di Vicenza pulsa di attività sempre interessanti e coinvolgenti.
Per lei “il design è l’anima delle cose”. L’ho incontrata per sapere come ha elaborato questo affascinante pensiero.

Maurizio Sangineto

Artista, Comunicatore, Naming Specialist.
Ideatore di VICENZA.COM

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Ciao Luisa, io e te ci conosciamo da tempo, ma presentati ai lettori di VICENZA.COM.

Sono nata a Thiene nel 1965. I miei studi secondari gli ho trascorsi al Liceo Artistico di Nove, dove ho avuto splendide opportunità di conoscenze e applicazioni nel mondo ceramico, nell’arredamento e nel mobile. In questo contesto ho avuto anche l’occasione d’intraprendere un interessante percorso raccogliendo infinite informazioni riguardo le arti figurative, l’architettura, l’ambiente, il design e la grafica.

Successivamente mi sono iscritta alla Facoltà di Architettura di Venezia, attratta ovviamente da tutti quei corsi di storia, di filosofia, di arredamento, di composizione architettonica che mi hanno fornito un importantissimo substrato di conoscenze tematiche ed inesauribili spunti per il futuro.

Nel 1991 mi viene offerta l’opportunità di prendere le redini dell’atelier di famiglia a Vicenza. L’IDEA, questo il nome dell’atelier, era nato da un sogno che mio padre, Francesco Amatori assieme ad un caro amico avevano voluto concretizzare. Doveva essere un luogo intimo e speciale, quasi il salotto di casa, dove accogliere amici e conoscenti per proporre loro oggetti di design semplici ma sofisticati.

Un’occasione che ho colto al volo iniziando una straordinaria esperienza che mi ha consentito di imparare il mestiere al livello più elevato. L’atelier è stato infatti negli anni il punto di riferimento di guru del design come Alessandro Mendini, Dino Gavina, Kazuide Takahama, Ettore Sottsass, solo per citarne alcuni.

Ma qui, oltre al mestiere ho imparato anche la cosa più importante: entrare in empatia con le persone! Ho imparato ad osservare i piccoli gesti e le parole, a volte solo sussurrate, per capire le necessità delle persone e poter poi intercettare i loro desideri. Solo così si riesce a trasformare una normale esperienza di acquisto in una storia da raccontare attraverso mobili e oggetti.

Mi sono infatti resa conto che oltre alla ricerca e alla raccolta di idee, la curiosità può essere una carta vincente. Una dote che mi ha consentito di spaziare dalle mostre d’arte e di design, alla semplice osservazione del mondo che ci circonda, alla ricerca di immagini.

Giorno dopo giorno si è stratificata in me la consapevolezza di fare il lavoro più bello del mondo.

E così, in un vortice che mi ha assorbita totalmente in questi 30 anni, ho iniziato a selezionare nel panorama nazionale e internazionale brand più affermati, abbinandoli ad aziende locali, per creare un mix molto personale di soluzioni per arredare casa o l’ufficio.

Sono orgogliosa di aver potuto collaborare e portare a Vicenza marche prestigiose come Alessi, Alma Design, Artek, Cristal Saint Louis, Ercuis, Haviland, Hermès, Fontana Arte, Kosta Boda, Kpm, Karman,Kartell, Georg Jensen, Gianmaria Buccellati, Ghidini 1961, Gien, Ittala, Joko Domus, La Tavola, Lenox, Memphis, Montana, Nason & Moretti, Opinion Ciatti, Orrefors, Puiforcat, Raynaud, Riedel, Royal Copenaghen, Rotaliana, Sitia, Seletti, Stilnovo, Venini, Vitra… e la lista potrebbe continuare.

Qual è secondo te l’oggetto o l’arredo che non dovrebbe mai mancare in una casa o in uno studio professionale oggi.

Domanda veramente inusuale. In verità non credo si debba, o meglio, si possa scegliere un unico oggetto iconico. Ci sono però oggetti di design, che sono entrati nell’immaginario di tutti perché’ fin da bambini li abbiamo visti in TV, nei film, oppure nei fumetti.

Mi riferisco al televisore cubico di Brionvega, ad esempio, oppure la lampada Arco di Flos, la sedia Panton o la comodissima poltrona Lounge chair and Ottoman di Charles e Ray Eames prodotte da Vitra, ma potrei citarne tantissimi altri. Possedere alcuni di questi oggetti iconici può fare la differenza in un ambiente, perché si va ben oltre la funzionalità.

Raccontaci dei tuoi rapporti con il design. È tutto amore o anche causa di qualche conflitto?

Infinito amore! Il design mi ha da sempre aiutato a sviluppare la creatività, rendendola viva e tangibile. Sono perennemente attratta dal bello assoluto, non solo quello degli oggetti, dei complementi o degli interior, ma soprattutto da quel bello che si cela nei materiali, nei tessuti, nelle texture, nelle forme e nei dettagli.

Non ne faccio solo un fattore meramente estetico. Per me il design è anche l’anima delle cose.

Quello che dico spesso, e che ripeto con insistenza come fosse un mantra, è che circondati di bellezza si possa vivere meglio! Si è più produttivi sul lavoro, più sereni a casa, più civili in uno spazio pubblico. Non è solo un fattore estetico, per l’appunto, ma è un modo di intendere la vita. La tecnologia permea e muta le nostre abitudini, ma il design ha la capacità di renderci parte attiva di questa rivoluzione e non piccole macchine impassibili e ricettive.

Molto interessante questa chiave di lettura della tecnologia piegata al design. In un mondo governato dalle multinazionali hi tech e del web, questo lascia almeno un po’ di speranza. Ma in questo senso, quando si deve scegliere un oggetto di design, è solo una questione di prezzo? Della serie, più spendi e meglio spendi, oppure si possono fare buoni affari usando il proprio gusto?

Credo fermamente nel Design originale, intendendo con questo il prodotto pensato, progettato e realizzato da quelle grandi aziende che ho citato e che ne hanno fatto la storia. Ovviamente attraverso il buon gusto, che alcune persone hanno innato, si possono fare ottimi acquisti, mixando oggetti semplici e poco costosi ad oggetti iconici.

Per quelli che questa dote non ce l’hanno, attraverso l’esperienza di ascolto che ho acquisito negli anni, cerco di essere un buon consigliere.

A questo proposito, come si rapportano i vicentini con il design? Sono consapevoli della sua importanza? Vanno solo a “firme” o capiscono di “forme”?

In questi trent’anni d’attività ho verificato in prima persona una consapevolezza nuova da parte dei vicentini, dovuta ad esempio ad una ricerca sempre più facile da eseguire autonomamente, soprattutto con internet. Ma mi sono accorta che in questa evoluzione molti desiderano essere guidati dall’esperienza di una figura professionale seria e competente. Spesso mi sono immedesimata nella figura del “Personal Shopper” slegata da miei interessi commerciali.

I vicentini amano quindi farsi guidare in questo percorso.

Decisamente!  Soprattutto quando si tratta di regali di Natale, cadeau di nozze, omaggi di ogni tipologia e per tutte le occasioni, dalle più importanti a quelle più leggere. Pensa che negli ultimi 15 anni ho tenuto per i miei clienti un archivio annuale in modo da consentirgli di non ripetere lo stesso regalo l’anno successivo e fare sempre bella figura.

Sei la titolare di uno dei più apprezzati negozi di arredo-design di Vicenza, con una storia esemplare alle spalle. Ma come vedi oggi il ruolo del negozio nell’era del web?

Il futuro forse ci costringerà sempre di più a rimanere a casa, magari lavorando in smart working, ma penso che sia assolutamente necessario fare molta attenzione alle proposte trovate nel web. Da addetta ai lavori vedo girare tante chimere tecnologiche e mi preoccupo per chi, non avendo tutte le informazioni che ho raccolto io in tanti anni di lavoro sul campo, le prende per buone. Il consiglio che posso dare è quello di farsi sempre consigliare, specie se si tratta di oggetti di design di un certo valore. L’errore è dietro l’angolo.

Nel tuo atelier dai regolarmente spazio ad artisti e designer. Qual è l’esperienza che ti ha dato maggiori soddisfazioni?

ASSOLUTAMENTE TUTTE! Non potrei più ragionare in termini di solo “negozio”.
Nel 2012, supportata dalla presenza di mio marito Sotirios Papadopulos,  Architetto, Artista, Designer e Production Designer, ho iniziato un percorso aggiuntivo a quello puramente commerciale, dove L’Arte, in tutte le sue diverse forme, potesse coesistere con il Design. Una formula che nei paesi nordici esiste da una trentina d’anni dalla quale prendiamo spesso inspirazione.

 Parlaci di qualcuna di queste esperienze di commistione tra Arte e Design.

Ho concluso l’anno appena passato e aperto l’atelier nel 2021 con una splendida esposizione dedicata alla Collezione “FLORA” di Carlo Dal Bianco per Matteo Pala. Flora è un mondo che fiorisce, è la primavera, è la nuova vita. Una collezione che esalta la bellezza dei fiori e le infinite sfumature di colore della natura. Cinque tappeti dalle linee morbide e sinuose o rettangolari secondo la tradizione per raccontare l’atmosfera romantica dei giardini storici in una visione armonica che unisce l’Oriente e l’Occidente. Un rigoglioso giardino dove i fiori sono reinterpretati utilizzando lane e sete pregiate, sapientemente annodate a mano nel nord dell’India.

Recentemente ho organizzato la splendida esposizione “L’ELEGANZA DEL VENTO” dell’artista Enzo Montagna, artista materico, colorato, espressivo, luminoso. Forse anche illuminato.

Ormai, di prassi, ogni due/tre mesi ospitiamo eventi speciali, ogni volta diversi ed intriganti.

Che altre iniziative hai in programma?

È di questi giorni un’altra mostra assolutamente originale “INCASTONATURA. Gioielli artistici di Roberto Sangineto” che ospiterò almeno fino al 10 luglio 2021.

Lo conosco bene! È mio fratello 🙂

Esatto… Di lui posso dirti che ne ho viste tante di forme di creatività applicata al design, ma lui si colloca ai gradini più elevati. Si tratta di un artista orafo sui generis, che crea a mano gioielli in argento utilizzando, al posto delle pietre preziose, rare radici di alberi che hanno “incastonato” naturalmente delle pietre. Grazie alla sua maestria, questi autentici “miracoli della Natura”, tornano alla luce restituendo energia positiva sotto forma di micro-sculture da indossare. Sono pezzi unici ed irripetibili, gioielli che non hanno eguali al mondo. Roberto Sangineto è un vero innovatore della tradizione orafa vicentina.
Emozionante!

A proposito di tradizioni vicentine…. se fossi nella stanza dei bottoni della politica locale, cosa faresti? E che consiglio daresti a chi amministra Vicenza per renderla più attrattiva?

Bella domanda… qualche anno fa, con il patrocinio del Comune di Vicenza, era nato dal sogno di pochi, un bellissimo progetto: “ART CONNECTION”, percorsi d’arte e cultura in città.  Un progetto che riuniva in una mappa cartacea, ma anche interattiva e digitale, ben 35 realtà culturali di Vicenza che avevano deciso di fare rete, presentandosi con uno strumento agile e utile per chiunque volesse conoscere gallerie, associazioni culturali e spazi espositivi di Vicenza ed essere aggiornato sugli eventi in programma. La mappa cartacea era stata stampata in 10.000 copie e distribuita in città nei punti aderenti, nei musei pubblici e privati, allo IAT di piazza Matteotti e in alcuni hotel e ristoranti della città.

Purtroppo, senza il tangibile aiuto del Comune di Vicenza, in questi ultimi anni il gruppo s’è scollato, vanificando di fatto quella che io ritenevo un’ottima iniziativa da rendere continuativa. Sono infatti sempre stata convinta che fare gruppo e lavorare assieme alle Istituzioni, sia una straordinaria opportunità che tutti noi dovremmo saper cogliere!

Il mio auspicio, se fossi appunto nella stanza dei bottoni della politica vicentina, sarebbe quello di lavorare in sinergia, unendo le forze per il bene della collettività. Cerco di applicare questa regola in primis nel mio spazio, con risultati entusiasmanti. Figuriamoci se lo facesse un’intera città con la sua meravigliosa provincia.

Dopo una lunga esperienza come grafico e pubblicitario di successo, il vicentino Paolo Limoli si è inventato una nuova maniera per esprimere la sua creatività attraverso la carta: usarla in modo tridimensionale per farne autentiche opere d’arte. L’ho incontrato e vi racconto in esclusiva la sua affascinante storia.

Maurizio Sangineto

Artista, Comunicatore, Naming Specialist.
Ideatore di VICENZA.COM

www.thenamespecialist.com/maurizio-sangineto/

Ciao Paolo, io e te ci conosciamo da ragazzi, ma vorrei raccontare a chi non ti conosce la tua bella storia professionale e accompagnare i lettori di VICENZACOM alla scoperta del tuo mondo artistico. Raccontami dei tuoi inizi…

Gli inizi partono da lontano. Evidentemente devo aver ereditato dei talenti perché senza studi specifici ho iniziato a disegnare da bambino, poi ad appassionarmi alla musica imparando a suonare le tastiere all’età di 10 anni. Lo facevo spinto semplicemente dalla passione e dall’istinto, ma erano attività cui mi dedicavo più tempo possibile. In questo senso ero un bambino anomalo… preferivo disegnare e suonare invece che andare al parco a giocare a calcio. Non ero un “asociale”, non lo sono mai stato, ma avevo queste priorità nella mia testa. Ne sentivo il bisogno, il piacere e il “dovere”. Negli anni hanno continuato a farmi compagnia fino a quando non ho terminato il Liceo ed è a quel punto che sono rimaste semplici passioni. Non è difficile però immaginare, avendo questa sensibilità artistica, ed in particolare la capacità di disegnare, in quale settore io abbia potuto affacciarmi professionalmente.

Quindi mi stai dicendo che a 18 anni hai fatto una scelta di campo, tra le tue due grandi passioni e talenti giovanili. Il gesto grafico ha avuto il sopravvento, considerato anche che fare musica di professione a Vicenza non sarebbe stata una scelta in discesa… giusto?

Esatto. Anche se mi sono preso qualche bella soddisfazione, la musica è rimasta allo stadio di passione.

Il disegno invece mi ha aperto la strada verso la professione. Ho iniziato seguendo il classico consiglio che si dà ai giovani, ovvero di provare a proporsi bussando alla porta di chi la professione la svolgeva già con successo. Fu così che mi proposi come grafico alle agenzie di comunicazione e pubblicità vicentine, conoscendo in pochi mesi praticamente tutte le realtà locali. Fu una grande fortuna perché ebbi così modo di conoscere professionisti di assoluto rilievo. Uno di loro in particolare… Un mantovano importato a Vicenza dopo una lunga e prestigiosa carriera a Milano.

Scommetto che si trattava di Giancarlo Alesiani!

Esatto!

Straordinario professionista e splendida persona… Amico comune.

Si… lui è stato per me un amico, un padre e un grande maestro, anche in virtù dei sedici anni di differenza di età. Una persona diretta e limpida, per certi versi poco diplomatica, tant’è che quando ci siamo conosciuti mi disse: “Se vuoi lì c’è un tavolo per te. Ti insegno l’ABC. Qui c’è una libreria (NR per la cronaca una spettacolare collezione di libri sulla grafica e sul design). Non mi rompere le scatole. Però se ti comporti bene e prometti di stare zitto, ti porto ai servizi fotografici, in tipografia, magari anche a qualche riunione con i clienti così impari il lavoro. Se ti sta bene ti do un gettone di presenza di 50.000 lire al mese (NR l’equivalente di 50 € di oggi). Se non ti va bene quella è la porta”.

Me lo ricordo come fosse oggi. Parole testuali. Ed io, altrettanto direttamente ed istintivamente, gli risposi: “Giancarlo, se vuoi quei soldi te li do io, anche di più, se mi insegni. Io ho voglia di imparare.” E questo scambio di battute dirette ci conquistò a vicenda. Mi diede subito la chiave e lì rimasi per 8 anni. Aveva clienti di livello top, come Marzotto, COIN, Banca Cattolica del veneto (l’odierna Banca Intesa), BMW e altri del genere, per intenderci…
Due anni dopo, a vent’anni, avevo già la mia partita IVA, ero un libero professionista e lavoravo sia per lui che per altre agenzie di Vicenza.

È stata un’esperienza incredibile che mi ha consentito di conoscere il mondo della comunicazione, vicentino e nazionale, come meglio non sarebbe stato possibile. Ed è stata la maniera migliore per darmi la conferma che quella era la mia strada. Mi piaceva tutto di quel mondo. Mi sono appassionato alla fotografia, alla stampa, a tutte le tecniche di riproduzione, e poi anche alle discipline più complesse come il marketing, la comunicazione, la pubblicità…

Non ero più semplicemente un graphic designer. Come era lui del resto, che sapeva districarsi tra tutte queste discipline con agilità e confidenza. Ed inizio a collaborare anche con gli altri protagonisti della comunicazione vicentina, come Pino Rausa.

E questo mix di discipline è rimasto il mio lavoro per oltre quarant’anni.
Però, dato che iniziai quel mestiere in un’epoca in cui il computer non esisteva e si lavorava rigorosamente a mano, con la carta, mi è rimasta quella capacità di mantenere una “concretezza” ed una vicinanza fisica con i materiali, che poi mi è tornata molto utile.

Me lo ricordo bene… non c’era il computer e tantomeno tutti i software che oggi rendono molto più facile il mestiere togliendo di fatto al grafico la complessità realizzativa manuale che era la prassi in quel periodo. Quindi o eri bravo o… niente!

Esatto… Non c’era via di mezzo né spazio per l’improvvisazione. Se sbagliavi anche solo una virgola dovevi buttare via tutto e rifare il lavoro da capo. Come nella musica, se sbagliavi una nota durante la registrazione dovevi ripartire da capo. Oggi ci sono addirittura i correttori di intonazione e di ritmo…
Quindi quella è stata per me una grande scuola di disciplina, precisione e pazienza, oltre che di professione. E soprattutto di determinazione, perché quando devi mettere in gioco così tanto impegno, a volte per niente, ti viene voglia di mollare tutto.

Poi con l’avvento del computer, che io amo perché ritengo la tecnologia una straordinaria opportunità, ho capito che certi limiti venivano totalmente abbattuti e che non c’erano più limiti alla creatività, sia in termini economici che di difficoltà tecniche rispetto alla modalità manuale. Ho capito che potevo così “espandere” tutto quello che c’era nella mia mente. Quindi mi sono appassionato ed ho iniziato a lavorare moltissimo con la tecnologia.
Però negli anni ho sentito il bisogno di tornare alle origini.

Spiegaci meglio questo ritorno di fiamma.

Ad esempio, ho ricominciato dare maggiore spazio alla musica, sempre per passione, anche durante la mia permanenza all’estero. Per la cronaca ho vissuto 10 anni in Spagna e proprio qui ho realizzato, rigorosamente a mano, il mio primo “pezzo”, che ha dato il “la” al mio nuovo filone professionale. L’ho fatto per me, senza alcuna committenza, per il piacere di tornare a creare qualcosa manualmente.

Quando parli di “pezzo” intendi un’opera artistica quindi… Mi stai già anticipando della traslazione della tua competenza di grafico in un ambito artistico… giusto?

Esatto… La mia grande passione per la carta, l’elemento primario con cui mi sono confrontato professionalmente sin dagli esordi, affinata negli anni in cui si stampava molto, dai libri, ai cataloghi, ai depliant, mi ha sempre accompagnato anche quando la comunicazione si è fatta elettronica. Una materia che per lavorare dovevi conoscere in tutte le sue sfaccettature e potenzialità. La composizione della carta, la sua resa, le caratteristiche distintive, le tecniche di stampa, gli inchiostri ecc. Non era solo una questione “estetica”, ma di conoscenza e di rispetto.

Ne è derivata un’intensa attività relazionale anche con chi la carta la produceva, come Fedrigoni, tutt’ora tra i più importanti al mondo, o come Favini, azienda locale di Rossano Veneto, di cui ho usato moltissima carta fin dall’inizio facendo il grafico. In particolare, apprezzavo il modello “Bindakote”, una loro esclusiva. Una carta che ha più di cinquant’anni, prodotta da un’azienda con più di un secolo di storia. Radici profonde quindi che si sono legate alla mia storia professionale.

Ad un certo punto, proprio mentre ero in Spagna, ho sentito l’esigenza di usare la carta in chiave artistica. Purtroppo, vivendo lì, non avevo la possibilità di procurarmi quei materiali così evoluti, e mi dovevo accontentare di quel poco che trovavo lì nelle cartolerie.

Infatti in Spagna, per quanto ne so, manca la cultura della carta come la intendiamo noi in Italia…

Proprio così… c’è pochissimo, tant’è che anche in chiave professionale quando cercavo un certo tipo di carta per stampare lavori per i clienti, i fornitori non sapevano neanche di cosa parlassi. Per questo ad un certo punto ho deciso di fare intanto qualcosa per me, iniziando a sperimentare una nuova forma di espressione artistica attraverso la carta.

A me è sempre piaciuto l’effetto tridimensionale nella grafica e mi stuzzicava l’idea di poter aggiungere alla carta, da sempre usata solo come supporto per la stampa, una terza dimensione, lavorandola in un certo modo e nobilitandone la funzione.

Avevo intuito che potevo sviluppare delle cose molo divertenti e intriganti.

Qual era il primo soggetto di questa tua nuova dimensione artistica?

Era il 2005 e si trattava, con tutti i difetti che poi nel tempo ho imparato a correggere, di una prima “scultura” a forma di cascata. Una scatola che, aprendosi, dava origine ad una serie di livelli discendenti colorati, che davano appunto l’idea di una cascata. Un effetto ottico molto suggestivo.

Interessante… mi viene in mente un paragone ardito, ma che rende l’idea. Mi riferisco alla ricerca artistica di Lucio Fontana che con i suoi famosi “tagli” sulla tela è stato il primo pittore a dare una tridimensionalità al quadro. Il primo ad andare “oltre la tela” per cercare qualcosa di inesplorato. Tu, per certi versi, hai fatto un’operazione analoga, uscendo dallo schema abituale in cui la carta è sempre stata vista e usata come supporto bidimensionale per la stampa. Hai creato un livello superiore di utilizzo, visivo e concettuale, della carta.

Certo… lui era proprio uno dei miei artisti di riferimento. Quella prima opera, che avevo realizzato per me e per puro diletto, senza fini commerciali, mi aveva aperto gli occhi e la mente.  In quel periodo frequentavo parecchi artisti spagnoli, alcuni di alto profilo, che invitavo per delle belle cene a base di cucina italiana. Successe che iniziai a ricevere da loro un sacco di complimenti per questa mia nuova dimensione artistica. Erano stupiti e ammirati e mi invitavano a continuare su questa strada. Devo dire che mi hanno stimolato molto, ma io sapevo che lì non potevo andare oltre per evidenti limiti nella materia prima stessa: la carta.

E così ho tenuto questa passione nel cassetto fino a quando non sono rientrato in Italia nel 2013.
Non è difficile immaginare qual è stata la prima visita che ho fatto. Immaginando di dare un seguito a quella mia prima intuizione artistica, mi sono preoccupato di procurarmi la materia prima, ovvero quella carta di qualità che avevo tanto desiderato. La prima visita che ho fatto è stata infatti a Favini.

Mi sono portato questo primo pezzo per fargli capire cosa avrei voluto fare con le loro carte speciali.

Quindi sei andato da un produttore di carta non più in qualità di grafico, bensì di “artista”…

Esatto, perché sapevo esattamente con quali delle loro carte io avrei voluto proseguire il percorso iniziato in modo sperimentale in Spagna. Ogni opera che avevo in mente necessitava infatti di una carta speciale, in grado di supportarne la struttura ed enfatizzarne la resa estetica.

La stessa cosa avviene infatti ad esempio per lo scultore che sceglie esattamente il tipo di marmo di cui ha bisogno, o il musicista che sceglie un determinato strumento per eseguire la sua composizione.

Loro non mi conoscevano, ma mi accolsero con grande disponibilità e cortesia, ascoltando attentamente la presentazione del mio progetto ed osservando con curiosità l’opera che mi ero portato dietro. Evidentemente il mio entusiasmo e l‘originalità della proposta fecero la loro parte perché il responsabile dell’azienda mi disse: “Ok Paolo, fammi la lista della “spesa” e da questo momento ti daremo tutte le carte che ti serviranno per sviluppare il tuo progetto.”

Bellissimo! Complimenti a te e alla loro apertura mentale. Non è facile per chi fa industria ed è abituato a determinati ambiti e rapporti professionali di fornitura.

Davvero… quando ricevetti le primi pacchi con quelle bellissime carte colorate mi sembrava di essere un bambino che apre i regali sotto l’albero di Natale… Preso da un entusiasmo fuori dal comune iniziai così a tuffarmi nella fase realizzativa di tutte quelle opere che avevo solo immaginato fino a quel momento. E così, all’inizio del 2016, mi sono ritrovato pronto per la mia prima mostra. Ad Arzignano, in una location bellissima: Atipografia.

Ne avevo sentito parlare e tra l’altro, visto che mi occupo per mestiere di nomi, non posso non cogliere lo straordinario nesso semantico tra le tue opere, basate sull’uso della carta, e questa location che era appunto una ex tipografia reinventata in chiave espositiva. Evidentemente c’è un DNA alla base. Location perfetta per il tuo progetto.

Infatti… pensa che lo spazio espositivo delle mie opere in quel contesto è stato proprio l’ex magazzino della carta di quando la tipografia era attiva. Tutte le mensole di legno originali che ospitavano le risme di carta sono state il supporto espositivo delle mie prime 14 opere.

Incredibile… Le opere erano letteralmente “a casa loro”…
E come hai vissuto questa esperienza? Ne hai tratto le prime indicazioni?

Certamente! Era un vero e proprio esame per me. Volevo capire se quello che avevo in mente era solo una mia infatuazione o avrebbe potuto trasformarsi una vera attività. Volevo proprio “tastare” il terreno. E mi serviva soprattutto la risposta più importante: quella del pubblico.
La ciliegina sulla torta fu che abbinai le opere alla musica, ovvero canzoni dei Genesis, tra i miei miti.

Mi dai lo spunto per ricordare un episodio che ci lega, proprio in chiave abbinamento grafica e musica. Il primissimo logo della mia attività me lo realizzasti tu, nei primi anni ’80…

Me lo ricordo bene… e la cosa bella è che quel logo fu disegnato rigorosamente a mano.

Quindi, riepilogando, la tua prima mostra è stata un connubio tra opere cartacee tridimensionali, abbinate ad una suggestione musicale.

Perfetto. E la formula è piaciuta perché, pensa, anziché durare tre settimane come previsto, su richiesta del pubblico la mostra è stata prorogata per più di due mesi. I visitatori sono stati più di cinquecento, anche provenienti dall’estero.

Ricevetti in quell’occasione incoraggiamenti e complimenti da parte di altri artisti di caratura internazionale. Ma l’elemento decisivo nel farmi acquisire la giusta consapevolezza fu la vendita di oltre metà delle opere esposte.

Questo è l’aspetto fondamentale che consente ad un artista di trasformare una passione in un mestiere. Il passaggio più delicato, spesso causa di delusioni.

Verissimo. Ed in questo senso la scintilla decisiva fu il fatto che l’opera più costosa venne acquistata, in una maniera indimenticabile, da una persona speciale. Era un signore novantenne, alto, elegantissimo e perfettamente in forma, un personaggio alla  “Paul Newman” per intenderci Io non sapevo chi fosse. Dopo svariate visite, durante le quali mi intratteneva con argomenti interessantissimi, ma per nulla inerenti alla mia esposizione, mi disse: “Paolo, io vorrei acquistare quest’opera, se non l’hai già venduta. Ma a condizione che sia tu a portarmela e a collocarla nel giusto spazio a casa mia.

Caspita!

“Ok!”, dissi. E così scoprii, quando andai a casa sua, che era il presidente della Burgo, colosso mondiale della produzione di carta. Fornitore di aziende del calibro di Mc Donalds, per intenderci. Collezionista di prim’ordine, che più che una casa aveva una vera galleria d’arte, con opere di artisti del più elevato livello. Rimasi pietrificato. Non c’era uno spazio, nei saloni, nelle camere, nella cucina, nei bagni, che non fosse completamente riempito con opere d’arte straordinarie firmate da artisti di fama planetaria. Da Warhol, a Matisse, a Chagall, a Pomodoro e via di seguito. C’era tutto! Ma lui mi disse: “Scegli uno spazio”.
E, per giunta, mi chiese anche di dargli del tu…

Fantastico! Possiamo dirne il nome?

Guido Marchi. Nonostante mi fossi abituato in Spagna a dare del tu a tutti, con lui mi sentii un po’ in imbarazzo, soprattutto quando gli dissi timidamente che per poter posizionare fisicamente la mia opera avrei dovuto fargliene togliere un’altra… “E che problema c’è? Forza!” disse con tono deciso.

A quel punto gli indicai una parete ed uno spazio preciso. E lui tranquillo fece togliere un quadro di valore, per fare spazio al mio.

Credo che sia stata una bellissima soddisfazione.

Certo! Da allora capii che avevo individuato un percorso.

E quali sono stati i passi successivi? Hai fatto altre mostre o hai optato per lavorare dietro le quinte come fanno molti artisti oggi.

Si sono aperti scenari interessanti. Mi è stato chiesto ad esempio di creare dei multipli delle mie opere, con tecniche industriali. Ma è una strada che per il momento ho preferito non seguire, proprio per i discorsi fatti sulla manualità e sul suo fascino. Uno dei cardini delle mie opere consiste proprio nella loro unicità. Nascono da operazioni manuali di precisione, come il taglio, il posizionamento o l’incollaggio, che eseguo personalmente seguendo temi ispiratori. Può essere la Natura, la Musica, il Cinema, il Design…

E l’Amore ho visto anche…

Esatto. Infatti, il tema del cuore tridimensionale, creato con la carta, è uno dei miei cavalli di battaglia, protagonista delle diciotto mostre che ho fatto fino ad oggi, di cui ben quindici personali.

Le ho fatte a Vicenza, a Padova, a Trieste, fra le altre città, ma anche a Londra, grazie ad una bellissima amicizia con un gruppo di musicisti inglesi, i Big Big Train, con cui collaboro, in grafica e in musica. Ne fa parte Nick D’Virgilio, ex batterista dei Genesis.

Diciamo che questa commistione tra arte e musica è un po’ il tuo filo conduttore, personale e professionale.

Assolutamente. Anche se la musica è rimasta a livello di pura passione mentre l’arte con la carta è divenuta il mio mestiere, si tratta di due filoni che nella mia vita viaggiano sempre in parallelo. E credo che saranno queste le ultime due cose da cui mi separerò, un giorno spero lontano.

Sai che ti capisco… qui da me la musica c’è sempre, anche di notte e anche quando non ci sono. Crea onde positive che fanno bene anche ai muri. E la materia influenza le persone. Ma tornando a te… una curiosità… hai avuto una vita ricca di emozioni ed esperienze. Hai messo a fuoco la giusta attività per coniugare passione e lavoro. Ma qual è il tuo sogno nel cassetto?

Uh! Ne ho tanti! Per quello che riguarda l’arte, sogno un’esposizione internazionale di alto profilo, in una galleria importante. Magari negli Stati Uniti, dove si sta proprio muovendo qualcosa. E magari ricevere un riconoscimento artistico internazionale. Ecco, questo sarebbe la ciliegina sulla torta.

Ultima domanda, visto che sei ospite di VICENZA.COM, come vivi, da cittadino di un’altra parte del mondo oggi tornato nella sua città, Vicenza?

Io ho cominciato a scoprire e capire Vicenza allontanandomene. Ero forse un po’ assuefatto a questa città che ti fagocita nel suo modo di vivere “provinciale”. Non è una definizione necessariamente negativa, ma definisce uno status che rende spesso difficile varcare certi stereotipi, superare certi ostacoli culturali e certi limiti nell’apertura mentale dei suoi abitanti e soprattutto da parte di chi dovrebbe offrire opportunità. Situazioni che ho capito bene andandomene.

Quando mi trasferii in Spagna, il Comune di Vicenza mi chiamò per fare dei corsi per migliorare la comunicazione tra le persone che lavoravano all’interno dell’istituzione. Feci ben venti corsi, istruendo centinaia di persone. Fu un’esperienza bellissima, vissuta da pendolare tra Spagna e Vicenza. Usai quelle occasioni per far capire a chi gestiva la città in quegli anni, gestione Hullweck, che secondo me poteva fare qualcosa di importante per la città. Ma non perché lo dicessi io, ma perché era nelle corde della città poter fare qualcosa che andava oltre lo standard.

Quando poi tornai qui, praticamente da “turista”, cominciai ad osservare Vicenza con un’ottica diversa. Ho le mie radici qui. Sono nato a Valdagno. Ho trascorso a Vicenza la maggior parte della mia vita, tolta qualche parentesi a Genova, a Napoli, a Roma. Il mio giudizio è quindi obiettivo. Posso affermare che Vicenza offre degli spunti interessanti, soprattutto grazie alla sua storia meravigliosa. Un luogo che consente anche di rapportarsi alle persone con una certa facilità. Ci si conosce tutti. Provo affetto per Vicenza. Ma credo che Vicenza sia sostanzialmente una straordinaria “base d’appoggio”.
Una bellissima base da cui gettare “ponti verso l’esterno”.

Grazie Paolo! Ti auguro che questi ponti ti facciano arrivare dove ambisci e dove meriti.
Magari a Los Angeles 😉